Magnífica retrospectiva sobre el siglo que ha tenido el Jazz como banda sonora.
Y es que esta exposición está llena de detalles muy bien cuidados como los pequeños altavoces y televisiones que van radiando la música de cada época mientras te mueves entre carteles, periódicos, cuadros, carátulas o objetos cotidianos diversos, que te sitúan en el espacio-tiempo de manera brillante. En cuanto a arte se refiere, pintura, escultura, fotografía y diseño gráfico se dan la mano para lo que sería un repaso del macro-underground en el que artistas de la talla de Matisse, Baskiat, Pollock, Warhol, Cobarrubias, Jeff Wall (y un larguísimo etcétera), se veían abducidos por sus sentimientos hacia el “Jazz” como común denominador.
El espacio en sí y la suma de recursos hacen que esta exposición valga mucho la pena —a cargo de Estudi Canó, aquí en Barcelona—, y que con la excusa de la música se pueda gozar de buen arte y diseño muy dispar a través del siglo en el que ha estado presente este estilo de música.
Confiemos en que la itinerancia de ésta (nos llegó vía “musée du quai Branly”, de París), haga que no se vaya muy lejos y la gente que no haya podido disfrutarla no tenga que hacer muchos kilómetros para ello.
Pero no me refiero a hacer una visita, sino a quedarse todo el verano!
Y es que después de maravillarme sobretodo con la segunda parte de la exposición itinerante —a priori motivo de mi visita—, sobre Kees Van Dongen, de las cuales 3 de sus pinturas me causaron un especial impacto: “El Moulin de La Galette (fragmento)“, “El chal español” y “El tango del arcángel”; sacando la conclusión que es en el gran formato en el que el pintor holandés se muestra especialmente efectivo para poner la piel de gallina con su manera de tratar el color; y creyéndome saciado ya, se me ocurrió pasar de sala hacia la permanente sobre la obra de Picasso que recordaba haber visitado en un pasado muy pasado… craso error.
No era el momento. Era cómo intentar leerse dos libros de un plumazo. No acabé de digerir la anterior cuando ya estaba maravillado por los dibujos, que a muy temprana edad esbozaba en su libreta, a lo que reaccioné haciendo un resumen por las obras que más llamaban mi atención… pero tampoco funcionó! eran vastísimas a lo que en cuanto vi que también me hubiera gustado dedicarle mi atención a sus aguafuertes y su cerámica, desistí. Llevaba más de 3 horas y la visita parecía no tener fin.
Fue entonces cuando recordé las palabras del taquillero de la entrada —una de las salas está cerrada para la restauración de sus obras— y dejar la visita para cuando pudiera ver las obras al completo (!).
Y es que me ha quedado clarísimo que, no un profesor de arte si no mi madre, tenía toda la razón cuando decía que para entender la grandeza de Picasso había que empezar revisando sus obras muy anteriores a las cubistas.
Pues nada, a reservar un día entero para Picasso, que total tenemos el museo en casa!
Hace un par de semanas visité una exposición en el MACBA que me sorprendió: la retrospectiva de la obra del considerado icono pop-art alemán, Thomas Bayrle, titulada “Me temo que ya no estamos en Kansas”.
A través de maquetas, óleos, collages fotográficos y montajes audiovisuales, el artista juega con la percepción de la imagen para mostrar su crítica social a los excesos en la cultura de masas.
La técnica utilizada, bautizada “máquina pintura” por el propio Bayrle, consiste en crear una obra a partir de imágenes compuestas, dónde centenares de pequeños elementos crean una imagen principal. La percepción de cada cuadro, cada maqueta o video, difiere según como centres tu atención en la obra. Por eso, uno de los mayores placeres de ver cualquier obra de Bayrle, es intentar (y remarco “intentar”) percatarse de todos los detalles de ésta.
Tienes hasta el 19 de abril para dejarte sorprender por las más de 300 obras de arte de Thomas Barlye expuestas en el MACBA.
A continuación os dejo el vídeo de la comisaria de la muestra presentando la exposición:
Como normalmente ocurre, ni las reproducciones de más alta calidad despiertan los sentidos como plantarse delante de un original, pero dado el formato de la mayoría de la obra de Alphonse Mucha (Praga,1860-1939), estar delante de uno de sus carteles para espectáculos de la época, no deja de ser un espectáculo en sí, y entiendes perfectamente que fascinara desde el principio que salió a la calle y que provocara que la gente los arrancara de las paredes.
Intenso, técnicamente impecable,… fascinante. Las formas incluso de los marcos, te seducen como seguro pretendía su autor.
Independientemente de la alta calidad del dibujo –asimilada en parte gracias a los bocetos y estudios, que muy acertadamente acompañan a la mayoría de cuadros–, la fastuosidad de sus composiciones y de los detalles con los que adornaba a la mayoría de protagonistas –que acababan deribando en objetos y joyas reales también expuestas– me gustaría destacar, por la condición de diseñador gráfico, su impresionante trabajo con la profundidad de campo a base de un impecable y super-intencionado cambio de grueso de filete que hace que no mezcles los planos por muy cargados de detalles que se encuentren. Personalmente me hizo recordar la intención de daVinci con su famosa técnica del sfumato pero de una manera mucho más gráfica, como lo són también sus composiciones, aplicable sin duda a nuestros días.
Destacable también su visión comercial, que aprovechando el tirón de su obra para packaging y carteles publicitarios, lo llevó a crear productos con su nombre como marca.
No deja de ser curioso que todo empezara por que el artista de moda en la época no se pudiera ocupar del encargo que recayó con prisas y de malas maneras sobre Mucha. Paralelismos con nuestros días?
Hace unas semanas el Periódico de Catalunya publicaba una interesante entrevista al famoso diseñador-ilustrador-artista Ivan Chermayeff (autor del logotipo de la NBC, de la nueva imagen corporativa de Merck y de distintos artworks para Philip Morris, entre otros).
Una entrevista muy didáctica y dónde impresiona la claridad de ideas que nos muestra este maestro del diseño global. Pero sobretodo me quedo con una frase muy adecuada para estos días: “El diseño puede salvar de la crisis”.
Desde el principio, al plantearnos la web de la empresa (www.doss.cat), teníamos claro que no nos conformaríamos con “simplemente” publicar los trabajos que vamos haciendo. Queríamos una web dinámica y sobretodo con feedback, una web como canal de comunicación de doble dirección (DOSS-vosotros, vosotros-DOSS). De ahí salió la idea de integrar el Blog en la misma web.
Un blog que no queremos que se convierta en nuestro escaparate publicitario, sino que nuestro propósito es simplemente hablar de arte, diseño, música, cultura, tendencias, etc. Crear un diálogo con todos vosotros sobre el entorno de nuestra profesión –diseño gráfico–.
Y como siempre pensamos en dos direcciones, ya sea en el blog o en nuestra página del facebook o flickr, esperamos vuestras opiniones y sugerencias, siempre bienvenidas.
Como normalmente ocurre, ni las reproducciones de más alta calidad despiertan los sentidos como plantarse delante de un original, pero dado el formato de la mayoría de la obra de 
